Im Labyrinth der Zeichen

Mit dem Verhältnis von Fotografie und öffentlichem Raum hat sich Wolfgang Zurborn mehr als ein Jahrzehnt auseinandergesetzt. Dabei geht es ihm weder um objektive Dokumentation von Stadtlandschaften noch um journalistische Beobachtung menschlichen Verhaltens. Vielmehr stellt Zurborn auf fotografischem Wege die philosophische Frage: “Inwieweit ist für das Subjekt im digitalen Medienzeitalter ein individuelles Erkennen und Handeln im Kontext alltäglicher Öffentlichkeit noch möglich?”

Alltagswelten und Bilderwelten verschränken sich im Bewusstsein des Einzelnen dialektisch; die Ansichten der tagtäglich im Umbruch befindlichen Lebenswelt sind mit omnipräsenten Medienbildschöpfungen bis zur Unkenntlichkeit verschweißt.

Verkehrsterminals, Konzertwiesen, Stadien, Einkaufszentren, Industrie- und Freizeitparks stellen für Zurborn die Einfallszonen der Medien dar, in denen das Verhältnis von Mensch und öffentlichem Raum völlig neue Aggregatzustände annimmt. Die Aufgabe der klassischen Stadtarchitektur, urbane Orte mit Institutionen einer überschaubaren Macht zu schaffen und Plätze für die gesellschaftliche Kommunikation und Orientierung frei mitbestimmender Bürger zu gestalten, tritt völlig in den Hintergrund. Mitten in den Cities und an ihren bisherigen Rändern tauchen perfekt funktionierende Arenen der Unterhaltung, Türme des Geldes und Passagen des Konsums auf, Transiträume für Passanten und Passagiere, welche ohne Abstand und Reflexion als dichtgedrängte und zugleich isolierte Gestalten, wie zufällig, aufeinandertreffen und wieder verschwinden. Namen und Bedeutung werden diesen geschichtslos-künstlichen Welten von außen verliehen, durch vorproduzierte Events, Soaps, Marken und Slogans.

Wolfgang Zurborn hat sich an diesen Unorten umgetan. In seinen grell angeblitzten, bunt zusammengedrängten und schräg angeschnittenen “Menschenbildern” stellt er das lebendige Chaos der Individuen dar, wie sie Seite an Seite, gleichsam in Zeitlupe, ihren medialen Träumen nachhängen und dabei als “Bildermenschen” meilenweit von sich selbst, voneinander und von ihren Wunschbildern entfernt sind. Der Subtext dieser Fotografien liegt in der kombinatorischen Spannbreite zwischen dem ironisch gebrochenen dokumentarischen Substrat und seiner subjektiven Perspektivierung. Aus dem Fluß der Eindrücke werden Standbilder herausgerissen, die politisch wirken, weil sie eindringlich Fragen zum Einfluß der populären Mythen auf die individuelle Existenz aufwerfen, ohne griffige Lösungen parat zu halten. Fotografie erweist sich als ironisch collagierende Gegenkraft. Durch den “zerteilten Blick” unternimmt sie die radikale Erkundung des “Restspielraums” persönlicher Wahrnehmung und konfrontiert sie mit dem perfektionistischen Totalitätsanspruch der Massenmedien und ihrer vereinheitlichenden Bewusstseinsprägung.

Im “Labyrinth der Zeichen” stellt Zurborn dieses Konzept auf seine bisher stärkste Probe. Die Methode, disparate Wahrnehmungsperspektiven in einer Bildfläche zu komprimieren und motivische Divergenzen durch dezentrale Komposition zu unterstreichen, wird in den vertikalen Fotokombinationen ins Extrem gesteigert. Damit kann sich der ästhetische Eigenwert der perspektivischen Individuation in vollem Umfang entfalten und die visuelle Dissonanz des heutigen öffentlichen Raums freilegen.

Die radikale Ausschnitthaftigkeit der übereinander montierten Aufnahmen intensiviert den Netzwerkcharakter der Ansicht. Jedes Teilbild weist ein sinnliches Geäder scharfer und unscharfer Zonen auf; ihr jeweiliger Abstraktionsgrad schafft einen Balanceakt zwischen der Freiheit zur assoziativen Betrachtung und dem unleugbaren Bezug zur gesellschaftlichen Realität.

In den situativen Einzelbildern der Serie “Menschenbilder - Bildermenschen” wurde der kontingente szenische Zusammenhang durch ausgeklügelte exzentrische Kompositionen aufrechterhalten und zugleich durch zahllose Verweise über den Bildrand hinaus, ins Off aufgebrochen.

Im “Labyrinth der Zeichen” ist die vorgebliche Kohärenz der Welt, die vermeintliche Einheitlichkeit von Raum, Zeit und Ort grundsätzlich zersplittert. Die Fragmente alltäglicher Wahrnehmung sind bis an die Grenze des Noch-Erkennbaren reduziert. Zur Disposition stehen die Identifikation jedes einzelnen Bruchstücks und die Erschließung seiner kontextuellen Bedeutsamkeit durch den Betrachter. Zurborn: ”Die Materialien, Flächen, Farben und Linien gewinnen eigentümlichen Zeichencharakter, werden verrätselt und beginnen miteinander zu spielen, über die Grenzen der einzelnen Bildsegmente hinaus. Der Sinn dieses Rätsels besteht darin, daß es keine Auflösung gibt. Die Fotografie produziert das Labyrinth der Zeichen.”

Inszeniert wird die Auseinandersetzung des behutsam suchenden Blicks mit der Vielschichtigkeit der Welt und ihrer permanenten Veränderung, die Genealogie des fotografischen Sehens diesseits der tautologischen Klischees, ein erfindendes Anschauen, das die produktive Ergänzung des Betrachters herausfordert. Die virtuelle Szenerie, in der die Dinge sich begegnen oder aufeinanderprallen, liegt nicht mehr außerhalb des fotografischen Blicks, nicht in einer vorgegebenen Ordnung, sondern ist in der erkennenden Imagination des Subjekts begründet. Wolfgang Zurborn’s Fotografie versteht sich als Medium eines aktiven Erkenntnis-prozesses, der mit der Dynamik des letztlich unkontrollierbaren öffentlichen Raums korrespondiert. Gläserne Durchblicke, rauhe Überlagerungen, irritierende Verzerrungen, massive Blöcke und poröse Risse, verhaltene Überleitungen und gewagte Sprünge, vermeintliches Drinnen und trügerisches Draußen, semantisch ausbalancierte Konglomerate und stärker narrativ ausgerichtete Collagen, - das kompositorische Spektrum der “Labyrinth”-Arbeiten ist weitgesteckt, um die Erfahrung heutiger Alltagswahrnehmung in ihrer lebendigen Komplexität und ihrem rasant beschleunigten Wandel zu erfassen.

Konzept

von Wolfgang Zurborn

Fragmente realer Alltagswelten füge ich so zu Bildcollagen zusammen, daß die Zeichen, Materialien, Flächen, Farben und Linien über die Grenzen der einzelnen Bildsegmente hinaus ihr eigenes Spiel beginnen. Starre Regeln würden die Betrachter*innen bei diesem Bilderrätsel die Lust verderben, einen neugierig fragenden Blick tastend über die ganze Bildfläche gleiten zu lassen. Deswegen vermeide ich vereinfachende Ordnungsschemata, die eine eindeutige Interpretation ermöglichen könnten. Der Sinn des Rätsels besteht darin, daß es keine Auflösung gibt. Die ersehnte klare Bedeutung ist nicht erkennbar, die einem doch das wohlige Gefühl vermitteln würde, komplexe Zusammenhänge in einfachen Bildern begreifen und sich somit die Welt gefügig machen zu können. Die Verknüpfung der Bildelemente dient nicht im propagandistischen Sinn dem Beweis einer Ideologie, die Segmente wirken nicht zusammen im Dienst der Stabilisierung einer bestimmten Sicht der Welt. Die Summe ist so fragil wie die einzelnen Teile. Begriffe und Rubriken, die unsere Wahrnehmung der Umwelt kanalisieren, geraten ins Wanken. Die Irritation, hervorgerufen durch die vordergründig unlogische Verbindung der Fragmente, ermöglicht es, vertraute Räume und Objekte der alltäglichen Erfahrungswelt in einer starken sinnlichen Präsenz zu erleben, da sie aus ihren rein funktionalen Zusammenhängen herausgerissen sind.

Der Respekt gegenüber den Dingen veranlaßt mich, sie nicht allein als Rohmaterial für subjektive Bildschöpfungen zu benutzen, sondern ihnen die Möglichkeit zu geben, in diesen Konstrukten von Wirklichkeit ein Eigenleben zu entfalten. Konkrete Bezüge zur banalen Realität wirken in diesen Collagen wie ein Schutzschild gegen aufgenötigte bedeutungsschwangere Inhalte. Von der Ultra-Bedeutung des Mythos befreit erhalten die Objekte eine Binnenbedeutung zurück. Sie werden in ihrer Darstellung nicht zu zeitlosen Symbolen für die menschliche Existenz bereinigt, vielmehr sollen die Spuren der Gegenwart, mit denen sie gezeichnet sind, gesellschaftliche Wirklichkeit erfahrbar machen. Indem sich die Bilder als geschichtliche Einschnitte transparent machen, richten sie sich gegen die falsche Natur der Alltagsmythen. Diese verlieren sich im Chaos der Zeichen und werden dabei ad absurdum geführt.

Starke Ausschnitte, Unschärfezonen, Betonung von Flächen und Materialien sind die Bildmittel, mit denen ich eigenwillige Räume schaffe, die sich in der Kombination zu Labyrinthen verketten. Der Verlust der Orientierung im undurchschaubaren Zeichenwald unserer Konsum- und Mediengesellschaft kommt in diesen spürbar zum Ausdruck. „Was ist in diesen Bildern eigentlich real und was fiktiv, was ist natürlich und was konstruiert ?“

Diese Frage, die die Betrachter*innen ständig begleitet, evoziert einerseits eine gesunde Skepsis gegenüber dem Wahrheitsgehalt dokumentarischer Fotografie, macht ihn andererseits aber auch resistent gegenüber den suggestiven Wirkungen von Bildern, die überwältigen wollen, indem sie gezielt nur Emotionen ansprechen. Vom visuellen Reiz der Bildzusammenstellungen angeregt, werden sie gefordert, die Collagen zu lesen, die Fragmente in ihrer Vorstellungskraft zu ergänzen und das komplexe Geflecht von inhaltlichen und formalen Bezügen mit eigenen Wahrnehmungsmustern zu vergleichen.

Dieser Dialog wird möglich, da sich die Bilder als ganz persönliche Konstruktionen zu verstehen geben. Keine dogmatischen Tautologien eines naiven Glaubens an eine definitive Wirklichkeit behindern ihn, und er wird auch nicht erstickt im absoluten Anspruch einer subjektivistischen Weltsicht. Vielschichtige Assoziationsmöglichkeiten eröffnen sich dem Betrachter, da die Kombination der Fotografien durch die bewußte Einbeziehung des Zufalls im Entstehungsprozess einen offenen Charakter erhalten.

Wolfgang Zurborn